Музыкальные инструменты

[Boris Bernshteyn]

Андрей, я имел в виду запись диска, на котором Аркадий Борисович играл, в основном, на рояле. На концертах же, в связи с частым отсутствием оного, или присутствием его, но в плохом качестве, приходилось играть на том, на чём придётся.
"Rhodes" – инструмент сам по себе прекрасный, но совершенно не предназначенный для перевозок, особенно по нашим удивительным дорогам. Вот он и начал разбиваться и ломаться со временем...
............................................
А вот у меня теперь вопрос к Вам и ко многим, понимающим толк в звуке. К TCH, к Алексу RU, к Сергею  Кузнецову, к Корешу и др., профессионально занимающимся этим делом.
Что значит звучит? Какие составлящие этого понятия? Что, на Ваш взгляд, необходимо, чтобы добиться отличного конечного результата в звучании? Я не имею в виду интонационную чистоту и ритмичную игру - вещи безусловные для профессионального исполнителя.
Есть у меня  и своё, уже сложившееся мнение на этот счёт, но хотелось бы сначала послушать и другие.

[tch]

Boris Bernshteyn***
Суровый вопрос!
Разумеется, одних шикарных инструментов и шикарной аппаратуры, и даже шикарного звукорежиссера тут недостаточно...
Составляющие?
1. Все равно, и аппаратура, и инструменты, и звукорежиссер.
2. Соответствующая компетентность каждого исполнителя (тут и владение инструментом, и владение вокалом, и слух, и вкус, и звукоизвлечение...)
3. Сыграная и абсолютно понимающая друг друга ритм-секция.
4. Интонационная чистота звучания.

Когда-то в студенчестве играл в вузовской группе...
Меня до сих пор поражает, откуда у наших пацанов, учащихся в техническом вузе, была  чистейшая вокальная интонация и  "аккуратная" культура вокала... Меня-то близко к микрофону не подпускали  
Меня до сих пор поражает, почему Ариэль 70-х, играя на раздолбанных Бигах, очень даже достойно звучал...
Стало быть, аппаратов для звучания недостаточно...
Должно быть что-то еще
Разумеется, это ИМХО, поскольку я не профессионал...

[tch]

Boris Bernshteyn***
Успел ответить на вопрос ДО редактирования твоего сообщения.
В таком случае п.п. 3 и 4 снимаются, как несостоятельные

[koresh]

автор оригинала Boris Bernshteyn
...Что значит звучит? Какие составлящие этого понятия? Что, на Ваш взгляд, необходимо, чтобы добиться отличного конечного результата в звучании? Я не имею в виду интонационную чистоту и ритмичную игру - вещи безусловные для профессионального исполнителя...

Попробую изложить свою точку зрения...
Но позвольте начать из далека...

В начале перестройки в Москве выступал Пинк Флоид и мне удалось попасть на это шоу в его первый день (повезло)... Еще одним везеньем было попадание в зал за 3 часа до начала и возможность наблюдать последние приготовления, а главное - настройку аппаратуры и ее звучания...
Толпа (без приувеличения) звукарей бегала во всему олимпийскому с какими-то приборчиками и что-то измеряла, передавая эти измерения на главный пуль... как потом выяснилось из разговоров с ними - они мерили звуковое давление "подзвучки" - динамиков, развешенных через каждые 2-4 метра по всему залу и его крыше и добивались баланса этой самой "подзвучки" и двух "основных стен инамиков" - "З"адней и "Ф"ронтальной...
Между "З" и "Ф" стенами находились три цепи мониторов (но это для музыкантов)... Измерения производились в диапазоне 80-200 Гц (или проще говоря - поддиапазон мидд-баса). Мидбас как явление природы - полоса частот выше того, что считается "сабвуферной" полосой, но ниже "речевой" полосы. То есть, скажем, 80-400 Гц. На вопрос - зачем же вы "кострируете" мидд-бас практически от середины, ответ был ошеломляюще (для меня по крайней мере) прост - добиваемся "провала" некоторых частот...
Затем начались поиски "Панча" (Борис как то описывал в своих рассказах как "...Сначала большой – бум-бум-бум! Долго-долго... Потом малый барабан – бах-бах-бах! ") или другимы словами - настройка "плотного", отчетливо слышмого удара барабана, щипка бас-гитары и т.д. Панч - это атака. Без этого самого "Панча" можно "облажать" весь звук... Можно иметь приличный "низ" с очень хорошим давлением, но из-за чрезмерного обрезания (провала) в районе мидбаса (80-150) "Панч" (а как следствие бас, барабаны и ритм секция) будут вялым, дряблыми и не возбудят народ...
Следующим этапом (все в том же частотном диапазоне) была настройка "Фазового здвига" или задержек звукового сигнала между "З" , "Ф" и "Подзвучкой" (П) ... Еще тов.Гюйгенс как то очень давно писал, что в любой точке волны рождается еще волна и они множатся во все стороны. А если на пути есть отражающие поверхности, вообще невесть что получается, пики волн накладываются друг на друга, смешиваются и ... короче сплошная интерференция и дифракция. Кроме этого, ввиду различия частотных и мощностных характеристик З-Ф-П, звук от них также распространяется не равномерно и задача сводится к тому, что-бы "задержать" звук одного источника относительно другого (но не более чем на период следования отраженного фронтального звука до середины стадиона... Существенно большая задержка или большее запаздывания сигнала - эквивалентна изменению "положения в пространстве" (пространственному или объемному ощущению звука). Т.е. если например, внести задержку в сигнал фронта на время, равное прохождению звука от "З" до средней точки задла (или стадиона) - то получим эффект "переднего" баса (это, когда говорят - звучит очень "плоско".
Достигается это простым вычислением - скорость звука известна, расстояние от "З" до срединной точки тоже, значит можно вычислить задержку, НО! - эта задержка будет оптимальной ТОЛЬКО для срединной точки зала (самое лучшее место на концерте)... Для слушателей трибун (или амфитеатра) эта "срединная точка" размазывается за счет разного уровня задержки на подзвучку левой и правой стороны зала, амфитеатра и балконов в комбинации с задержкой "продольной" (цепи подзвучек обслуживаются разными усилками), Флоид напритмер имел то ли 10 (то ли 11) цепочек... Естественно, что без "звуковых процессоров" этого добиться очень тяжело...
Важным элементом этого действа и залогом всего "этого безнадежного редприятия" является наличие "правильной" аппаратуры с "достаточностью" мощности усилителей (или соответствие силовых характеристик - объему "озвучиваемого" помещения ) - "ручки усилителей" выкручиваются максимально на 80-85% ("Флоиды" использовали только 70-75% мощности) - иначе начнутся дополнительные шумы, связанные с нелинейностью искажения звука...
Здесь же я бы упоминул и поканальное (или по-частотное) усиление... Прелесть в том, что работая не на всю частотную полосу (диапазон), а лишь на ее часть, получаем более чистый звук ("кристальное звучание").
"Поканалка" - хороший инструмент для настройки глубины проникновения" в зал того или иного инструмента  (особливо соло-гитар и клавишей) - захочешь один инструмент погромче сделать или потише, или частоту "среза" для него поменять - вот только тогда и поймешь необходимость поканалки (но это для больших дядей с тоннами аппаратов).

Теперь, когда "Панч" найден, можно немного отступить (лирически) - советская спец.литература утверждает, что "звукавая окраска" на частотах ниже 300 Гц почти не различается и не ощущается (хотя это вовсе и не так - даже при обрезке НЧ до 150 Гц "окрас" различаются достаточно уверенно... - сам проверял). Так к чему это я, а вот к чему - помимо собственно слуха человека здесь уже начинают работать тактильные ощущения или что называется - "ж... чую" (пардон, или здесь мы говорим про обертона, старшие гармоники и призвуки). А поскольку на частотах до 300 Гц сосредоточена примерно половина энергии сигнала (а у Рамштайна и им подобным - и поболее), этот "частотный" фактор приобрерает ярко-выраженную роль... 300-350 Гц. - начиная с этой частоты слуховой аппарат не может определить направление на источник звука, а посему - это еще один способ "игры" с "объемом звука" на концертах...

Завершающим этапом будет отстройка клавишных, гитар и микрофонов (они регулируются по-разному - вокальные (в них тоже различаются - лид и бэк плюс к этому учитывается тембровый окрас голоса) и те, куда "дуют дудки" (можно конечно и в вокальные, но...) и это еще один "частотный эшелон". В идеале это транш 1.5-16кГц - для достижения "концертного, академиеского" звучания, но каждый любит это по-своему - Зепелины например намеренно "задирали" нижний предел этого транша (особливо на записях) - короче в этом диапазоне каждый резвится как может в поисках своего, неповторимого звучания...


Когда все эти этапы были пройдены - звук - конфетка... На фоне треска барабанов и басовых пассажей можно слышать (не напрягаясь) звук касяния струн пальцами на аккустической гитаре и это на стадионе...


Вот все это, выше изложенное, и означает для меня определение хороший, качественный звук  или "ансамбль звучит" (группа, оркестр) или не звучит...

Кстати, на том самом Флоидовском концерте было с одной стороны ощущение такое, что звук просто таки "вползает" в тебя (во все дырки)... а с другой - сила (физическое давление, а не громкость) была такой, что я понял почему камбала плоская и глаза у нее на одной стороне

Еще один пример (только не смейтесь)- "Бони М", они выступали (в 78) за неделю до концерта Песняров в концертном зале Россия и звучали просто изумительно (я не беру репертуар, а только качество звука)... а вот Песняры через неделю "не доокучили" зал по-мощности (только без обид)... кстати, аппарат у БониМ и Песняров был практически одинаковый, только у БМ он был в 2(или 3) раза больше размером... Прям как будто Песняры играли на "млашем брате"...


P.S. Знаю, что кому то изложенное не "придется ко-двору" ну так как говорит Сергей Кузнецов - ...на звук и свет...

[Boris Bernshteyn]

Во копнул!:appl:
Браво, Кореш! А не получил ли ты консультацию у САМОГО...?
Спасибо тебе, сам узнал много для себя, а что скажут другие?

[Zloi]

автор оригинала Boris Bernshteyn
Во копнул!:appl:
Браво, Кореш! А не получил ли ты консультацию у САМОГО...?
Спасибо тебе, сам узнал много для себя, а что скажут другие?

Не будите лихо ....

[Alex Ry]

Я помню Маликов(который Дмитрий)начинал свои концерты с "Лунной сонаты", потом переходил на Шопена. Так вот он редко играл чисто. Всё время задевал "по соседям", хотя человек закончил Московскую консу. Звук тоже никакой. Достаточно послушать его инструментальный альбом. Я в перерывах между концертами иногда играл тоже самое, ребята подходили и восхищённо пожимали руку.(Сам себя не похвалишь, как говорится...) Казалось бы-Лунная соната, что там играть? Каждый школьник умеет. Но, видимо, существует природное чувство звукоизвлечения. Я не редко был свидетелем, как один и тот же инструмент звучал совершенно по разному в других руках.
Мне лично очень нравится звук Гилевича. Хотя я могу судить только по песняровским записям, но всё равно сразу слышно, что это незаурядный музыкант.

[Boris Bernshteyn]

Алексей, признаюсь тебе честно, что поиграв год в дуэте с Анатолием Гилевичем, мне очень и очень трудно найти теперь для себя партнёра.
Всё время идёт внутреннее сравнение для себя и, как правило, не в пользу других. Поражала также при этом его повышенная скромность и требовательнось, и в первую очередь, к себе.
А как же твоё мнение насчёт звучания? Это всё, что ты хотел сказать?

[DNP]

автор оригинала Arkady
а как же семья, дети?

Если честно, то не очень понял. Но если подумать... У руководителя жена/жёны и дети хотят кушать. И у музыкантов тоже. Одна из задач музыканта - накормить своих жен и детей. Задача руководителя накормить своих жен и детей, а также жен и детей своих музыкантов. И в этом процессе присвоения и распределения, мне кажется, заложен конфликт "хороших" музыкантов и "плохого" руководителя.

[Boris Bernshteyn]

А неуемный аппетит жён и детей "хороших" музыкантов весьма неблагоприятно сказывается на звуке. В том случае, конечно, если "плохой" руководитель ставит перед собой такую задачу – накормить наконец-то этих бесконечных жён и детей "жалких музыкантиков".
Я правильно Вас понял, Николай?

[Андрей Реп]

Борис, с точки зрения стиля руководства Мулявина, тот ансамбль был, безусловно, обречён. Здесь я с Вами согласен. Мулявинский произвол в решении важнейших проблем, был варварски губителен. Это усугублялось тем, что в том ансамбле, как нигде, были важны персоналии. Каждый был на своём месте, и являлся неотъемлимой частью музыкального организма. После ухода Борткевича возникла первая музыкальная брешь, которую, может быть, ещё можно было, со временем, исправить. Уход опорного электроклавишника, и двух, годами наигранных медных,- это уже слишком. Вот почему, по-моему, здесь проходит музыкальный водораздел. И это тоже, кстати, проблема звука.

[Boris Bernshteyn]

Андрей Реп:
" Уход опорного электроклавишника, и двух, годами наигранных медных,- это уже слишком. Вот почему, по-моему, здесь проходит музыкальный водораздел. И это тоже, кстати, проблема звука."
................................................
А на мой взгляд не в этом проблема звука, и не в этом проблема распада. Но не буду спорить, останемся , что называется, при своих.

[Boris Bernshteyn]

С недавних пор никогда не расстраиваюсь, если попадаю на неудачные, на мой взгляд, концерты. На удачных  учусь как надо, а на неудачных – как не надо работать, в том числе и в области – «звучит-не звучит». А ведь это очень важная составляющая нашей профессии артиста и музыканта. Сразу подумалось, а какими же ещё необходимыми качествами обязан владеть настоящий артист? Но это уже другая тема...
Оговорюсь сразу – не претендую на истину в последней инстанции, просто хочется поделиться своим опытом, приобретенным, в основном, за годы работы именно в «Песнярах», и как раз на примере этой же и знаковой группы. А качество звучания у них, к сожалению, частенько оставляло желать лучшего, не давая раскрыться полностью достаточно глубокому музыкальному потенциалу. А почему?
...........................................................................................
Первые мои шаги там были шагами робкого новичка, в том числе и в области звуковых тонкостей. Несмотря на консерваторию за плечами и некоторый ресторанный опыт, работая  здесь, мне пришлось многим овладевать просто по ходу. И гастрольная жизнь, встречи с другими артистами этого жанра, общение с профессионалами в области  звука помогли понять для себя некоторые очень важные вещи...
Первые разочарования пришли, когда я разглядел, что этому вопросу в группе не уделяется должного внимания, если не сказать больше. Руководителя и «стариков» (за исключением, пожалуй, В.Мисевича) это совсем не колебало, и всё происходило достаточно спонтанно.
Правда, со звукорежиссёром в то время нам здорово повезло, и Иван Чвялев был (к сожалению, ненадолго) очень сильным профи в своём деле. Хотя, на мой взгляд, конечный результат зависит от совокупности факторов, а не только от этого человека, сидящего за пультом.
Записывая частенько прошедшие концерты прямо с пульта, и прослушивая их в тесной «молодёжной компании», было поразительно наблюдать, как сильно эти записи отличаются от тех ощущений, которые складывались на сцене. Но самыми, пожалуй, сильными звуковыми уроками было общение с другими коллективами и  работа с профессиональными звукорежиссёрами в студиях звукозаписи Останкино и на «Мелодии». Так, потихоньку раскапывая это дело, и начали складываться мои личные убеждения в этой области.
Кореш, на мой взгляд, блестяще описал сложнейший процесс донесения звука до слушателя, но... маленькое замечание к этому. Надо, на минуточку, чтобы было что доносить, т.е. формирование звука происходит на сцене – музыкантами, ансамблем, и только достаточно качественная основа может быть удачно донесена (или не донесена) до публики. А если нет этой основы, то никакой звукорежиссёр и тонны аппаратуры, на мой взгляд, не помогут. Я, естественно, имею в виду живое звучание, а не «фанеру».
Т.Е., чтобы звучало, на мой взгляд, необходим:
1.   Очень качественный звук непосредственно исполнителя
Что я вкладываю в это понятие? Активное звукоизвлечение. Необходимо не наигрывать, а играть, тогда и распространять будет что. Иметь чёткое представление, какого звука ты хочешь добиться, а потому звук начинает складываться сначала в твоей голове. Тут я согласен с мнением Алексея Рящина, о природной одарённости в этом деле, но только бы хотел заметить, что многому всё же можно научиться при желании. Очень важно понять своё правильное место в диапазоне звуковых частот, и не занимать других мест, мешая другим инструментам доносить их информацию.
К примеру, если мы имеем возможность прослушать на многоканальном магнитофоне отдельно взятый инструмент записи высокого качества звучания, то можем к удивлению обнаружить, что в отдельности он звучит как-то не очень. Как-то очень узко. А вот вместе со всеми – отлично. Почему?
Да потому, видимо, что в это «звуковое окно» протиснуться всем грудью просто невозможно, а вот бочком – вполне вероятно. И точно себе представляя диапазон информативности своего инструмента или голоса, начинаешь понимать какого звука тебе и нужно добиваться на сцене.
Но вот на чём его добиваться – это тоже очень важно!
2. Инструменты и аппаратура
Каким бы ни был хороший исполнитель, но на дерьме хорошего звука не извлечёшь. В моём случае мне очень даже помогала  Ибанеzка, но достаточно сильно мешал огромный басовый «Dynacord» на сцене, а потом и такой же неудачный комбик «Roland». Конкретной басовой середины (примерно 600 Гц) там просто не было. Она была как-то размазана, а вот зато, играя в Витебске на джазовом фестивале, я был сражён самопальным усилителем на сцене. Там звук был ясный, конкретный и певучий.
И универсальных инструментов тоже нет. Для каждого стиля – свой. Как-то на заре перестройки мне удалось посмотреть в Москве концерт замечательного гитариста Pat Metheny. В процессе концерта миловидная женщина в длинном чёрном платье передавала ему одну гитару за другой, её же и аккуратненько подстроенную тюнером.
Я же по своей бедности, что лирику, что слэп играл на безладовом, не успевая даже и перестраивать его хоть немножко. Оттого он и звучит странновато, хотя и в этой непохожести может и есть, вероятно, свой кайф. Да и кто эти все гитары будет перетаскивать по гастролям?
И так, выкручиваясь, я врезал в футляр от баса два ремня и носил её, как биатлонное ружьё – за спиной, освободив руки для сумки и скрипки. Прямо как ишак, вызывая сочувствие моих соседей по дому. Вот и приходилось выбирать для себя тот звук, который представлялся более важным, чем слэповое щёлканье...

3.   Аранжировка
Вы можете всё правильно играть, и хорошим звуком, и с грамотным звукорежиссёром, но звучать не будет, поскольку аранжировка написана неграмотно. И такое сплошь и рядом. Аранжировка – это высшая математика в музыке, и не всем дано её постичь. Я не говорю, в данном случае, о её творческой составляющей, а имею в виду то же звуковое окно. Взаимоуступки в изложении материала также необходимы, как и просто в дискуссии. Не общий ор – кто кого перекричит, а умение высказаться и выслушать, по очереди. Это целая наука, и без её овладения рассчитывать на хороший результат бесполезно.
4.   Звукорежиссирование
Вы можете здорово играть, и хорошим звуком, и на хорошем инструменте, и в прекрасной аранжировке, но всё это останется вместе с вами. На сцене. А в зале будет совершенно другая и, вполне вероятно, жалкая картина. В руках этого человека за пультом большая власть и возможность донести или не донести. Донести так, как задумал аранжировщик и исполнитель, или самому вмешаться в творческий процесс, имея и реализуя свои представления о звуке, стиле и балансе.
Пару лет назад в Атланте состоялся концерт Ларисы Долиной, которую я считаю одной из лучших певиц этого жанра в России. Концерт состоялся в Atlanta Symphony Hall – одном из лучших по акустике залов Атланты. Она пела живьём, но под запись, а потому больших проблем с озвучиванием не должно было быть.
 В зале и на сцене (в качестве мониторного) стояли два классных микшерских пульта "SoundKraft", приличная акустическая система, но такого позорного звука надо было ещё добиться. Я ушёл через полчаса, просто не выдержав издевательств над собой, хотя очень люблю эту певицу...
В.Г. часто высказывался о том, что он отдаёт предпочтение музыканту за пультом, а не инженеру по звуку. Только очень часто этот музыкант просто не знает, какие ручки и на что влияют. Он беспомощен в контроле над процессом. Или начинает влиять сам в меру СВОЕГО понимания этой музыки. Я – против!
На мой взгляд, в первую очередь это должен быть высокий профессионал в области звука. И, опять же, на мой взгляд, необычайно гибкая по своим человеческим качествам личность. Способная уловить, помочь раскрыть и донести до слушателя идею артистов, музыкантов, исполнителей и подстроиться под неё, не навязывая своих представлений о музыке. Если, конечно, этим артистам есть чего нести...
С удовольствием вспоминаю работу, как и с Иваном Чвялевым, Сашей Морозовым, Александром Штильманом, а также с двумя замечательными молодыми профи из Останкино в те годы (Жора Лазарев и Андрей Ветр).
Вот  собственно и всё, чем хотелось поделиться. Удачи вам в звуке!

[Андрей Реп]

Уважаемый Борис, браво! Вот здесь я согласен с Вами по всем пунктам. Основа основ - исполнитель. ТСН упомянул "Ариэль" 70-х. Меня так же, как и его, поражала способность этих музыкантов, играть буквально на лопатах, и не просто играть, а ещё при этом звучать! Безусловно это природный дар. И этого у них не отнять. Начинается вступление, явно слышишь ГДРовскую "Музиму", картонные барабаны, и вдруг всё это исчезает, куда-то уходит, и возникает музыка. Редкое умение. очень редкое. Как это у них получалось - загадка. Затем, конечно, качество аппаратов. На примере того же "Ариэля". В конце 70-х у них появились "правильные" инструменты, и сразу, как следствие, произошёл качественный скачок в восприятии их музыки. Уже не было железного звука гитар и пустого картона барабанов. Плюс мастерство Ярушина как аранжировщика, в общем было что послушать. Ну и звукорежиссёр, конечно. От его умения зависит если не всё, то многое. У "тех" Песняров был, на мой взгляд, достаточно слабый "звукреж". В одной серии концертов, в одном зале, два дня - два звука. Не было стабильности. Даже в "России", где сам зал, не смотря на размеры, хорошо звучит, бывали очень слабые по звуку концерты. Кстати, вспомнился, достаточно курьёзный пример. В марте 81-го года, "Ариэль" отмечал своё 10-летие серией концертов в ДС "Дружба" в Лужниках. Годом ранее, в декабре 79-го в этом зале выступали "Песняры". Более ужасных по звуку концертов любимого ансамбля, я не слышал. Со второго концерта, я, вообще, чуть не ушёл. Остался из-за друзей. Все гремело само по себе, разваливалось, хотя на сцене были горы тех же самых Динакордов, которые за три месяца до этого в "России", пели так, что любо-дорого. Мы с приятелем махнули рукой - стадион, чего с него взять. И вот концерт "Ариэля". На сцене тоже горы, но, не пойми чего. Биги, Динакорды, самопалы. Гаснет свет, выходят музыканты, и... они заиграли! В тот вечер я понял, что стадион тут непричём. Звукорежиссура это тоже искусство. Звук был плотный, мощный, и в то же время прозрачный. Никто никого не забивал, все чисто. Барабаны, до каждой мелочи, без грохота. Плюс, всё первое отделение, лучшие вещи за 10 лет. Действительно здорово. "Отдавали молоду", "Ой, мороз, мороз", "Степь, да степь", да много чего ещё, они тогда ударно забабахали. В перерыве, естественно захотелось посмотреть, что и как. Подошёл к сцене, смотрю, впереди стоят два здоровых, самопальных "увеселителя"-моноблока, c лошадиными лампами внутри, на каждом каллиграфически выгравировано "300 ватт". Остальное я даже не стал рассматривать - я был поражён. Второе отделение, правда, не понравилось, но это отдельная тема, во всяком случае "звукреж" был непричём.

[Олег Петухов]

И насколько интересны записи Ариэля, сделанные на допотопных электроОрганах! Сколько выдумки и изобретательности. А как появились "продвинутые" клавиши с пышными искусственными тембрами, так и не стало своеобразного саунда. Да и в концертах. А что делать? Время диктовало, дух уходил...